En su artículo “Lina Bo Bardi, de Italia para Brasil” para la Revista Universitaria (Chile), Marcelo Carvalho Ferraz escribe que uno de los puntos fundamentales para la comprensión de la obra de la arquitecta es su relación con el teatro. Con el objetivo de conseguir un mayor conocimiento y entendimiento de su pensamiento y obra, el texto analiza la relación de la arquitecta con el teatro a partir de los años sesenta, cuando su conexión con artistas y directores de teatro es más intensa, lo que la llevó a la realización de varias escenografías y proyectos teatrales. El presente artículo analiza cómo las diferentes corrientes artísticas relacionadas con el teatro, tanto nacionales como internaciones, influyeron en el pensamiento de la arquitecta y cómo estas se identifican en sus procesos proyectuales y finalmente en su obra construida. Marcelo Carvalho Ferraz in his article “Lina Bo Bardi, de Italia para Brasil”, published in Revista Universitaria (Chile) ,wrote that one of the main point for the understanding of the Lina Bo Bardi`s architecture is her relation with the theatre. With the aim to get a better knowledge and understanding of his thought and work, this article analyze the relation of the architect with the theatre from sixties when her connection with the artist and directors of theater is more intense that led her to work and realize some scenographies and theatrical projects. Also this article analyze how the different artistic movements related with the theater, both national and international, influenced the thoughts of Lina Bo Bardi and how are identified in the project process and finally in her built architecture.

Dos arquitectos, uno italiano y otro español, Libera y Cabrero, acuden a la ciudad de Roma, uno para quedarse y confrontarse con la ciudad y el peso de su Historia y otro para no olvidarla ante cada proyecto que surgiese a lo largo de su trayectoria. Frente a una misma realidad, respuestas semejantes cohabitan en dos contextos diferentes que dan como respuesta dos arquitecturas que sitúan la idea de monumentalidad en el edificio público como concepto intrínseco a través de dos discursos paralelos. Esta condición del edificio público monumental del primer racionalismo italiano, heredero de la Antigüedad Romana, fue el elemento extraído por Cabrero de la arquitectura de Libera, con sus propios matices. Interesante será descifrar cada uno de los diálogos ocultos que surgirán entre ambos arquitectos. Two architects, italian and spanish, Libera and Cabrero, went to the city of Rome. The first one, in order to stay there and to confront himself with the city and the weight of its History. The second one, in order to remember it facing every project along its architectural career. Faced with the same reality, similar answers coexist in two different contexts. Two architectures that locate the idea of monumentality in the public building as an intrinsic concept through two parallel discourses. This condition of a monumental public building of the first Italian Rationalismo, as heir of the ancient Roman, was the element that was extracted by Cabrero from the Libera’s architecture with his own nuances. It will be interesting if it is possible to decode most of the hidden dialogues that arise between these two architects.

La imagen fotográfica constituye hoy en día una herramienta esencial para el conocimiento, análisis y planificación del territorio, reforzada por su creciente disponibilidad. Sin embargo la fotografía, bajo su apariencia documental, no ofrece información pura de la realidad espacial, sino un relato parcial, seleccionado y codificado de la misma. El uso de imágenes, o de un tipo de imagen, constituye no solo un acto de filtrado de la información, sino también de elección de un modo determinado de interpretarla. Este artículo analiza comparadamente un conjunto de modos de entender el paisaje, tanto el natural como el alterado por la acción humana, que se desarrollaron en los Estados Unidos durante las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, y del uso que los mismos realizan de determinados tipos de representaciones fotográficas, particularmente de la fotografía aérea, tanto para la comunicación de ideas territoriales como para establecer distancias frente a otras posiciones intelectualmente confrontadas. Photographic image is now, strengthened by its growing availability, an essential tool for territorial knowledge, analysis and planning. However photography, under its documentary look, does not offer pure information of spatial reality, but a partial, selected and encoded spatial description. The use of pictures, or certain type of pictures, to describe a place is not only an act of filtering information but also a choice of a way of interpreting this place. This paper analyses comparably a set of ways of understanding landscapes, both natural and man made landscapes, developed in the United States in the decades following World War II, and the use they made of certain types of photographic representations, particularly aerial photography, both for the communication of territorial ideas and to distance themselves from intellectually opposed positions.

El arquitecto holandés Mart Stam fue un outsider del Movimiento Moderno. Comúnmente encasillado en su papel de instigador del ala más dura e intransigente del determinismo racionalista, fue sin embargo un creador original, dotado de un particular talento en todas las escalas. Su propia idea de la disciplina, cercana a la actividad científica, cuya meta es la contribución desinteresada y anónima a un saber universal, ha resultado ser crucial para que su participación en algunas de las páginas más brillantes de la modernidad haya sido relegada a un papel testimonial. The Dutch architect Mart Stam was an outsider of the Modern Movement. Commonly typecast in his role as instigator of the most intransigent hardliners in the rationalist determinism, was nevertheless an original creator, endowed with a particular talent at all scales. His idea of discipline, closer to scientific activity, whose goal is the selfless and anonymous contribution to universal knowledge, was crucial for their participation in some of the most brilliant pages of modernity had been relegated to a testimonial role.

Hasta la Guerra Civil, el diseño había sido solo objeto de estudio de unos pocos. El mayor avance en la materia se produjo en la década de 1950, gracias al esfuerzo de un grupo de arquitectos, como Carlos de Miguel, Luis Feduchi, Javier Carvajal, Antoni Moragas o José Antonio Coderch, entre otros, que promovieron una serie de iniciativas con las que pretendían concienciar a la sociedad de la necesidad de un “buen diseño”. Entre ellas se encontraban la celebración de exposiciones y concursos, así como la creación de instituciones para el diseño industrial como SEDI e IDIB. El impulso por parte de los arquitectos fue un factor indispensable para su desarrollo. Este artículo analiza el papel relevante jugado por los arquitectos en el nacimiento del diseño industrial español. Until the Civil War, design had been studied by only a few professionals. The greatest advance in this area occurred in the 1950s, due to the efforts of a number of architects like Carlos de Miguel, Luis Feduchi, Javier Carvajal, Antoni Moragas and José Antonio Coderch, among others. They promoted a sequence of initiatives that intended to raise public awareness of the need for “good design”. Among them, a considerable number of exhibitions and competitions were hold, as well as the creation of institutions for industrial design. The boost from the architects was an essential factor for its development. This paper analyzes the important role played by architects in the beginning of the Spanish industrial design.

Tras la Segunda Guerra Mundial, muchas ciudades alemanas asumieron la reconstrucción como la respuesta necesaria a los graves destrozos que habían sufrido sus edificios. En este contexto, frecuentemente se retomaron criterios de restauración que habían sido formulados en el pasado provocando debates sobre la mejor forma de recuperar un patrimonio arquitectónico severamente dañado. Este fue el caso de la Antigua Pinacoteca de Múnich, para la que se plantearon soluciones tales como reconstruir el edificio en sus formas antiguas borrando los daños causados por la guerra, o demolerlo para crear un nuevo edificio acorde a las necesidades del momento. La propuesta adoptada fue la del arquitecto Hans Döllgast, con una solución creativa que responde a necesidades funcionales y a la vez que respetaba los valores del edificio. A lo largo de este artículo se analiza la reconstrucción de Döllgast mostrando las claves de su uso de la creatividad y el lenguaje contemporáneo en la restauración arquitectónica, que facilitaron la creación de un nuevo añadido arquitectónico que convive con la arquitectura del pasado. Para ello se descifrarán los valores contenidos en el edifico existente diseñado por Leo von Klenze, verificando su estado de conservación tras la intervención de Döllgast. After World War II, many German cities took reconstruction as a necessary response to the serious damage their buildings had suffered. In this context, different restoration criteria that had been formulated in the past were frequently employed causing debates regarding the best way to recover a severely damaged architectural heritage. The Alte Pinakothek in Munich is one example for which different architects raised different solutions, such as the reconstruction of the building in its old shape, therefore erasing the damage caused by war, or its demolition to create a new building according to that moment’s needs. The adopted proposal was the one from the architect Hans Döllgast, with a solution that gave response to its functional needs while respecting the building vaules. This article analyses Döllgast’s reconstruction, pointing out the keys of his creative process and his use of a contemporary language in this architectural restoration, with which he achieved a new architectural addition that coexists with the past architecture. The values contained in the existing building, designed by Leo von Klenze, are deciphered for this purpose, verifying their state of conservation after Döllgast’s intervention.

En el diseño del Jefferson Memorial, Eero Saarinen revirtió la técnica de Hooke para determinar la forma ideal de un arco. Si este descolgaba una línea flexible para obtener el trazado que mejor se ajustaba a su distribución de pesos, aquel definía primero el trazado, y buscaba después la ley de cargas para la cual el perfil elegido resultaba óptimo. Por tanto, el Gateway Arch no sigue ninguna de las funciones matemáticas canónicas asociadas al estudio de curvas funiculares, sino algo que dio en denominarse “catenaria ponderada”. Su carácter impuro le valió la crítica tanto de los partidarios de formas ideales como de los que favorecían una aproximación más libre al proceso de diseño. Sin embargo, su capacidad de asimilar los principios de la mecánica de forma flexible, sin perder el control formal del resultado, fue una constante del Movimiento Moderno de posguerra, deseoso de enriquecer su repertorio estilístico sin renunciar a la racionalidad; representa la búsqueda del equilibrio entre la sumisión a unas leyes de carácter natural o cultural, y la libertad creativa del autor. Y si para la crítica especializada no consiguió ser canónico, para la opinión pública sin duda fue icónico, convirtiéndose en seña de identidad de la sociedad norteamericana de posguerra. When designing the Jefferson Memorial, Eero Saarinen reversed Hooke’s technique to determine the ideal shape of an arc. If the latter laid a flexible line in order to obtain the shape that best fit its weight distribution, the former defined first its layout, and sought later the load’s law for which the chosen profile was optimal. Thus, the Gateway Arch does not follow any of the canonical mathematical functions associated with the study of funicular curves, but something called “weighted catenary”. Its impure character granted it criticism from both supporters of ideal forms and those who favored a freer approach to the design process. However, its ability to assimilate the principles of mechanics in a flexible way, without losing the formal control of the result, was a constant for postwar modernism, eager to enhance its stylistic repertoire without abandoning rationality; it represents the search for balance between submission to natural or cultural laws, and creative freedom for the author. And failing to be canonical for architectural critics, it certainly became iconic for the general public, the true hallmark of postwar American society.

El presente artículo se despliega sobre el análisis del viaducto ferroviario que atraviesa el centro de la capital alemana en la dirección este-oeste. Con ello se pretende descifrar las estrategias de diseño urbano vinculadas a la planificación elevada de la Stadtbahn, discurriéndose sobre la configuración de la fisionomía urbana del centro de Berlín a través de una “fachada bien ordenada”. Así se expone la construcción de una morfología lineal asociada a la infraestructura de transporte segregado, aclarándose el designio de proyectar la línea de tren como un edificio-viaducto, que subordina la composición del espacio público a los efectos escénicos de su frontón arquitectónico. A través de un levantamiento in situ se deja de manifiesto que dicho edifico tiene la capacidad de romper la “maldición de los vacíos fronterizos”, contrariando la destrucción de las vecindades que típicamente convierte la vía segregada en una frontera físico-social. Esto con la intención de despejar el valor que la arquitectura agrega a estas construcciones originadas como respuesta exacta a problemas concretos de tiempo y distancia recogida, alumbrando un campo de trabajo multidisciplinario cada vez más ineludible, donde el aporte de los arquitectos al problema de la infraestructura de transporte aparece aún como figura difusa. This article unfolds the analysis of the railway viaduct that crosses the German capital in an eastern-western direction. The aim is to decipher the urban design strategies used in the highl planned Stadtbahn, focusing on the configuration of Berlin’s urban physiognomy through a “well-ordered facade”. Thus exposing the morphologically linear construction associated with transport infrastructure, making clear the railway project design as a building-viaduct, imposing its architectural façade’s scenic effects on the surrounding public space. Through an in situ survey it is left clear that this building-viaduct, has the ability to break the “curse of border vacuums”, counteracting the destruction of neighboring areas that typically converts the segregated path into a physical and social border route. The intention is to clarify the value that architecture adds to these infrastructures originated as an accurate response to specific problems of time and distance, enlightening a multidisciplinary field which becomes increasingly unavoidable, where the contribution of architects is still very much diffused.

Peter Harnden y Lanfranco Bombelli eran dos arquitectos que tras la segunda guerra mundial trabajaron para el gobierno de los Estados Unidos de América organizando exposiciones para la divulgación del Plan Marshall desde la embajada americana en París. Tras un viaje a Madrid en el 1956, regresando a la capital francesa hicieron parada, aconsejados por su amigo Coderch, en Cadaqués. En esta población residía Salvador Dalí y pasaría a partir de 1958 los veranos Marcel Duchamp quienes atrajeron a una larga lista de intelectuales y artistas convirtiendo la pequeña población en un centro artístico de primer orden. El lugar y su ambiente cultural sedujeron a los arquitectos que desde 1958 hasta sus respectivas muertes veranearían en esta población. Harnden y Bombelli construirían en Cadaqués nueve casas perfectamente integradas en la arquitectura austera y vernácula del lugar siguiendo los criterios del movimiento moderno. Una de estas fue para la escultora americana amiga de Duchamp, Mary Callery. El artículo analiza esta casa y cómo en ella se aplican los criterios del Arte Concreto, corriente artística a la que estaba afiliado Bombelli. Peter Harnden and Lanfranco Bombelli were two architects after World War II worked for the government of the United States of America organizing exhibitions to publicize the Marshall Plan from the American Embassy in Paris. After a trip to Madrid in 1956 returning to the French capital they did stop, advised by his friend Coderch, in Cadaqués. In this population he resided Salvador Dali and Marcel Duchamp spent summers who attracted a long list of intellectuals and turning the small town into an arts center artists of the first order. Harnden and Bombelli would build nine houses in Cadaqués perfectly integrated into the vernacular architecture austere place following the criteria of the modern movement. One of these was for the American sculptor friend of Duchamp, Mary Callery. The article analyzes this house as her criteria of Concrete Art artistic movement to which he was affiliated Bombelli apply.

Las primeras décadas del siglo XX comienzan a mostrarnos la postal que detona el gran paradigma metropolitano del siglo: Nueva York y la altura de sus edificaciones, una ruptura total con el concepto de ciudad conocido por los europeos, al tiempo que la distopía nace como crítica literaria a la revolución rusa y derivará en imágenes de ciencia ficción producidas por el rascacielos que llevarán al urbanismo a nuevos niveles de planificación. Una visión tridimensional de la ciudad más allá del plano, al tiempo que el cine comienza a convertir el rascacielos en un personaje central de la narración visual. Progresivamente, las visiones de una sociedad futurista, mecanizada y alienante solo son posibles en una ciudad densamente verticalizada. Una imagen precisa, diseñada por Moses King, una ficción visual de 1911 que visionaba cómo sería la metrópolis de Nueva York en un futuro próximo, permite hacer una revisión sobre el paradigma de ciudad de rascacielos, y la evolución real de la metrópolis producto del fenómeno de verticalización producido por el rascacielos y la conquista de la altura. The first decades of the twentieth century started to showcase the postcard rendered by the greatest metropolitan paradigm of the xx century: New York and its skyscrapers. A complete break from the concept of the city known to Europeans. While dystopia has born as criticism in literature form towards the Russian revolution, resulting in sci-fi skyscrapers images that take urbanism planning to new levels. A three-dimensional view of the city that goes beyond the plane emerges, at the same time as when cinema makes the skyscraper a central character of its visual narrative. Progressively, visions of a futuristic, mechanized and alienating society are only possible in a densely verticalized urban area. An accurate image, a visual fiction from 1911 that envisioned how the metropolis of New York would be in the near future. Designed by Moses King and drawn by Richard Rummell, allowing to review the paradigm of city of skyscrapers, and the actual development of the metropolitan phenomenon of verticalization produced by the skyscrapers and the conquest of height.

En un momento de intensa actividad en la reformulación de los espacios educativos, la escuela Timbaler del Bruc de Oriol Bohigas y Josep Martorell incorporó avances en arquitectura escolar de acuerdo a las nuevas necesidades pedagógicas y destacó como una obra ejemplar. Esta investigación sitúa la obra en su contexto, analiza en detalle el edificio a partir de su documentación original y el redibujado de sus planos e identifica sus principales valores. Si bien el proyecto partió de patrones establecidos, añadió aportaciones particulares que contribuyeron al desarrollo de la tipología escolar y se convirtió en una referencia para proyectos posteriores, tanto de sus autores como de otros profesionales. Este artículo no solo se dirige a investigadores de la historia de la arquitectura sino también al conjunto de los arquitectos por la vigencia del valor de la obra como proyecto arquitectónico. In a moment of intense activity in the revision of learning spaces,“Timbaler del Bruc” School by Oriol Bohigas and Josep Martorell included advances in school architecture according the new pedagogic necessities and was distinguished as an outstanding work. This research places the school in context, analyzes the building in detail based on original documents and re-drawing plans, and identifies its main values. Although the project was based on previous models, it added particular innovations that contributed to school buildings development and it became a reference for later works of their authors and of other architects.This paper is not only aimed at architecture history researchers, but also at all architects because of the current value of the analysed building.

El análisis de la evolución del proyecto y la obra de las cuatro viviendas unifamiliares adosadas de Josep María Sostres en Torredembarra (1954-57) revela una reflexión profunda acerca del sentido del “proyecto arquitectónico” en plena crisis del Movimiento Moderno. Partiendo de las características específicas del lugar, Sostres construye una obra modélica que refleja una personalidad repleta de modestia y sabiduría, sintetizando ciertas claves formales y espaciales herederas de la primera generación de las vanguardias (principalmente aquí Le Corbusier y los arquitectos catalanes del GATEPAC) con otras plenamente contemporáneas (las de Jacobsen en Dinamarca y las de Neutra en California) vinculadas a la incorporación del paisaje y del ser humano al discurso arquitectónico de posguerra. Sin caer en la retórica del Funcionalismo internacional ni en la mímesis de la arquitectura vernácula del litoral catalán, propone una arquitectura subordinada al paisaje mediterráneo del entorno sin renunciar a experimentar con la forma de habitar y disfrutar del espacio, en el interior de una pequeña casa que se asoma al mar y en un jardín doméstico lleno de vida, donde la brisa, las sombras, el agua y las especies vegetales humanizan el espacio exterior adyacente a cada vivienda. On analyzing the evolution of the architectural project and building of the row of four summer attached houses designed by Josep Maria Sostres in Torredembarra (1954-57) reveals a deep, critical reflection on the ultimate sense of architecture after Modernism. Starting from the specific site conditions, Sostres builds an exemplary work in which his own modest and wise personality is shown. He dares to go after a synthesis of several formal and spatial keystones developed by the first modernists (i.e. Le Corbusier and GATEPAC Catalonian architects) and other contemporary discoveries (due to Jacobsen in Denmark and to Neutra in California) related to landscape and human values as emerging attributes of the post-war architectural practice. Avoiding International-Style rhetoric gestures and vernacular local building mimesis, a modern architecture subordinated to surrounding Mediterranean landscape is proposed: new forms of living are experimented involving the interior and exterior spaces of every house in the row, considering the presence of the sea nearby and the enjoyment of its garden, in which breeze, shadows, water ponds and vegetal species create a rich experience for human life in open air.

La atmósfera electromagnética que de forma imparable va impregnando el hábitat humano del s XXI es hoy una de las grandes herramientas de colonización del territorio. Implementada mediante el concepto de “cobertura”, su materia prima es la “señal”. “Tener cobertura” está empezando a ser una condición esencial de lo habitable. En las domesticidades mediadas por esta suerte de éter digital, lo privado se vuelve poroso; el interior es a la vez interior y exterior, casa y ciudad, refugio e intemperie, y deja de ser métrico y estable para volverse topológico y fluido. En estos nuevos ámbitos híbridos y borrosos, permanentemente conectados, vivimos mezclando identidades, escalas y mundos, generando prácticas espaciales inéditas de las que somos a la vez productores y consumidores. En ellas resulta fundamental el concepto de interfaz. Dichas prácticas, relacionadas tanto con la idea de control como con la de fantasmagoría, permiten re-encantar el espacio doméstico y sus objetos a través de la objetivación digital de lo espectral. En esa nueva domesticidad telemática gestionada por interfaces emocionales, la experiencia de lo cotidiano surge de la interacción entre capas paralelas de un espacio-tiempo hecho por igual de presencia y ausencia, de cercanía y distancia, de afectos y de olvido. The electromagnetic atmosphere that is increasingly permeating the human habitat of 21st century is today one of the great tools of territorial colonization. Implemented through the concept of “coverage”, its raw material is “signal”. “Having coverage” is beginning to be an essential condition of the inhabitable. In the domesticities mediated by this sort of digital ether, privacy is becoming porous; the interior is both interior and exterior, home and city, shelter and outdoor, and is no longer metric and stable but topological and fluid. In these hybrid and blurred permanently connected environments, we live blending identities, scales and worlds, generating untold spatial practices of which we are both producers and consumers, and where the idea of interface is key. Such practices, where control and phantasmagoria live together, allow to re-enchant domestic space and objects through the digital objectification of the spectral. In that new telematic domesticity managed by emotional interfaces, the experience of everyday emerges from the interaction between parallel layers of a space-time made equally of presence and absence, closeness and distance, affects and oblivion.

Julio Lafuente nace en Madrid en 1921. Poco después, su familia se traslada a París, donde estudia Arquitectura en la École Nationale des Beaux Arts. Una vez graduado, se traslada a Roma. Allí establece su residencia y desarrolla la mayor parte de su obra arquitectónica, profusamente reconocida y publicada entre 1950 y 1980. Recientemente fallecido, ha recibido diversos homenajes en la Real Academia de España en Roma, en el Instituto Cervantes y en la Bienal de Venecia de 2014, entre otros. ¿Cómo enfrentarse al archivo y catalogación de la ingente obra de un arquitecto? ¿Qué metodología seguir para discriminar los hallazgos y contextualizar obras, publicaciones y proyectos desde diversos prismas: contexto, crítica, práctica, rol, técnica? ¿Cómo dilucidar el significado de la documentación no tanto desde el punto de vista de un documentalista, sino a través de la mirada crítica del arquitecto? El propósito del artículo es compartir los resultados de la investigación obtenidos durante la organización del Archivo Julio Lafuente, declarado de interés histórico artístico por el Ministerio de Cultura italiano, y la realización del Catálogo inédito de su obra, llevado a cabo por la autora de este artículo. Julio Lafuente was born in Madrid in 1921. Soon after, his family moved to Paris, where he studied Architecture at the École Nationale des Beaux Arts. Once graduated, he established his residence in Rome, where he developed most of his architecture, widely recognised and published between 1950 and 1980. As he is recently deceased, there have been several tributes in the Royal Academy of Spain in Rome, the Cervantes Institute in Rome and the Biennale di Venezia 2014, among others. How should the undertaking of both the archive and catalogue of the work of an architect be faced? What methodology should be followed to feature our findings and contextualize his works, publications and projects from different perspectives: context, critical thinking, practice, role, technique? How to interpret the significance of existing documents, such as drawings, models, plans or photographs, not from a documentary point of view but through the eyes of the architect? The purpose of this paper is to share the research results obtained through the compilation process of the Archive of Julio Lafuente, declared of historic and artistic interest by the Italian Ministry of Culture and the unpublished Catalogue of his work, non-existent to date, undertaken by the author of this paper.